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El proyecto Depression Era reúne a más de 15 artistas y comisarios griegos con la siguiente premisa: “Este proyecto nos pilla fuera de los fines felices. Navega, fuera de los abiertos finales inocentes, inmerso en un mundo en profunda crisis humanitaria, de paisajes en ruina, inseguridad, democracias partidas y una cultura cotidiana desesperanzada. Nuestro primer objetivo es la claridad, en un presente de confusión, política, histórica y social. Un experimento de narración colectiva aparece, conectando momentos significativos y documentando historias aún sin contar en un mosaico de imágenes y textos. Esclarecer la maraña con este trabajo, sin mirar al futuro, en forma de progreso, a la idea de crecimiento, pero manteniéndonos juntos en los Comunes, nivelados y rotos, más allá del ruido de la revuelta pornográfica, las compras, el nuevo feudalismo, las especulaciones de los especialistas, los medios de comunicación fracasados, el análisis paralizante, el urbanismo de photoshop y la crisis continua, a horcajadas de la línea roja que divide Europa, construyendo un arco de imágenes y textos (un mosaico de lentes: una anti-pantalla: un museo en el camino: un mirador a las formas por venir), mientras Occidente naufraga en una auténtica época de la Depresión.” Estoy llegando a destino, encontrar aliados era uno de los objetivos. Las fotos de los últimos días son de algunos de estos trabajadores materiales: Pavlos Fysakis, Dimitris Rapakousis, Chrissoula Voulgari… Más Lintridis que nunca.

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¡Qué bien los encuentros en la tercera fase! Comienza la temporada, en Pradillo, con Cuqui Jerez. Si alguien en Madrid lee esta entrada está a tiempo de no perdérsela (sábado 20/9), aviso. Cada noche un repertorio abierto a la fascinación, los objetos cotidianos cobrando vidas tragicómicas. Las palabras y las cosas, siempre las palabras y las cosas. Un rodeo al pasodoble in crescendo que nos deja embelesados. ¡Qué bien sienta el talento! necesitaba una dosis para borrar la mediocridad que nos acecha. Intervalos para desmenuzar a Cuqui con Pedro y Selina que ya está tramando nombres  para los nuevos tiempos: ¡Elitismo barato! un término prestado de Sánchez Ferlosio. “Cuando Mairena expuso su proyecto ideal de centro de enseñanza, contraponía claramente una posible Escuela Superior de Sabiduría Popular, como lo rechazable, frente a una posible Escuela Popular de Sabiduría Superior, como lo deseable. Así que lo que Mairena propugnaba podría, muy ajustadamente, designarse como elitismo barato, en el que, por afectar la baratura tan sólo a la actividad de la enseñanza, no al saber enseñado, la tal escuela podía permitirse concebir la aspiración de llegar algún día a hacer mayoritario ese saber“.  Juan de Mairena se postula entre los títulos para una siguiente lectura colectiva ¿se animan?

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Está a punto de comenzar la temporada en el teatro Pradillo, que expanden la programación en su blog, web y enlaces como el de Jaime Conde-Salazar que escribe: “La danza del futuro se compone como una red de sucesos, cuestiones, experiencias y contextos interconectados que forman una especie de organismo que vive y se transforma constantemente.  Por eso, cada vez más, la danza del futuro se refiere y se nutre de las circunstancias en las que tiene lugar y de cómo la vida y el mundo se concretan en un sitio a lo largo de un tiempo. Así, la danza expande sus límites más allá de los dispositivos tradicionales de representación, más allá de los ámbitos de trabajo autorizados y más allá de los espacios asignados al arte y la cultura en las culturas burguesas capitalistas.” La primera presentación es The Dream Project, de Cuqui Jerez, es “12 meses de trabajo. Un experimento acerca de cómo trabajar y cómo producir. Es la creación de una colección de pequeñas piezas de diferentes formatos y temas no necesariamente relacionados unos con otros.” Deseando expectante.

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Volvemos a Madrid por un camino inusual: Villaviciosa-Torrelavega-Burgos-Madrid. Todo para no perderme la exposición de Fernando Martín Godoy en el CAB. ¡Qué buena decisión! Con el título Album presenta una muestra de tesis. Fernando despliega un conjunto de cuadros fabulosos, en los que indaga las colecciones (I, II, III: 2014), los objetos (Constructivismo cotidiano, 2010) y algunas secuencias casi cinematográficas (La luna en la piscina, 2008). Su pintura tiene lo que más me interesa de este género, Fernando es capaz de traer el tiempo lento, reflexivo, pausado y murmurante a cada uno de sus obras. FMG ha encontrado en la contención y austeridad cromática una atmósfera exuberante: ni blanco total, ni negro completo, es en la amplia gama que maneja (in-between) donde somos capaces de distinguir el universo. Si en los primeros cuadros que iniciaron esta serie la luz que irrumpía en las superficies provenía de los dispositivos tecnológicos (móviles, pantallas de ordenador) proyectando nuestra enajenación… en este caso parece hablarnos de lo que es capaz un cuerpo cultural. La potencia del trabajador material queda definida por FMG en el políptico de 8 piezas Alone in the Dark (2014), homenaje al trabajo de otros artistas contemporáneos, pero también con Arquitecto (2013), Arqueólogo (2013) Proyecto (2013) y Grupo de investigación (2011). Está claro que la pintura de Godoy no está ensimismada ni espera que el espectador se quede perdido y deleitándose en la belleza de sus obras (que también lo hacemos) pero siempre nos deja mucho más. Concretamente establece un diálogo entre la arquitectura del CAB y sus trabajos, aprovechando los rincones, los huecos, que parecen ser una extensión-apropiación de sus pinturas y esculturas (Capítulo, 2011; Dobles, 2011; Constelación (working table, 2012). Con ellas articula una reflexión sobre la materialidad y la representación que me recuerdan el texto La cámara oscura de David Hockney, que Fernando me recomendó hace años en París y que extienden su trabajo por nuevas vías y dan cuenta de la vitalidad del proyecto que desarrolla, de su pintura. Todavía estáis a tiempo (hasta el 28 de septiembre) de visitar esta exposición, de fascinaros por la inteligencia, la belleza, la ironía, el talento y la maestría de Fernando y para el que le conozca o tenga amistad con él, como es mi caso, de sentir una inmensa alegría o para ser más precisos y aunque suene algo raro, de estar orgullosos de él.

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Este mes de agosto lo estoy dedicando, también, a editar las entrevistas en vídeo que realicé en México en 2011 para un blog que se llama Procesos Participativos (que espero esté listo durante este otoño) y en el que exploro la ingente cantidad de trabajo que se hace en México DF en este sentido. Sin duda es un país amigo en el que encontrar muchos aliados y personas de las que aprender cómo hacer con poco. Ahora también sigo con interés la propuesta de Isabel María, un proyecto audiovisual que registra las vivencias de una “artista transterrada” en México. Esta segunda fase del proyecto, que comenzó el 15 de Julio y se extenderá hasta el 15 de enero de 2015 se desarrolla plenamente en Facebook, con post y vídeos (facebook.com/ArtistaTransterrada) para explorar “este viaje” de acercamiento a otra cultura. Dice Isa: “Me interesa el significado de este neologismo, “transterrado”, porque sugiere que los españoles no se encuentran del todo “desterrados” en México, ya que encuentran una continuidad lingüística y en gran parte cultural que permite recrear la participación de lo español en México, y también viceversa. Circunstancia que permitiría a los artistas españoles emigrados allí proseguir y ampliar obras realizadas en España, como también podría suceder con los artistas mexicanos venidos a España, muestra de la riqueza intercultural de nuestros dos países.”

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Nunca he sido muy fans de John Berger, sin embargo Beatriz me recomendó la lectura de su trilogía Into their labours (De sus fatigas) y comienzo con Puerca Tierra, un texto del año1979, posicionado políticamente, con personajes complejos como la Cocadrille y reflexiones que nos dan que pensar en la disyuntiva que planteaba unas etapas atrás entre la ciudad y el campo. Berger nos recuerda que un campesino intacto era la única clase social con una resistencia interna hacia el consumismo. Desintegrando las sociedades campesinas se amplía el mercado. Nadie en su sano juicio puede defender la conservación y mantenimiento del modo de vida tradicional del campesinado. El hacerlo equivaldría a decir que los campesinos deben seguir siendo explotados y que deben de seguir llevando unas vidas en las cuales el peso del trabajo físico es a menudo devastador y siempre opresivo (…). Sin embargo, despachar la experiencia campesina como algo que pertenece al pasado y es irrelevante para la vida moderna (…) es negar el valor de demasiada historia y de demasiadas vidas. El papel histórico del capitalismo es destruir la historia, cortar todo vínculo con el pasado y orientar todos los esfuerzos y toda la imaginación hacia lo que está a punto de ocurrir. Por eso el capital, para expandir la práctica del consumismo, ha prestado su lógica para la categorización como atrasados (es decir, portadores del estigma y la vergüenza del pasado) de aquellos a quienes el propio sistema se encarga de empobrecer. ¿Qué conciencia y qué relato se construyen de sí mismos mis actuales vecinos de la tierra asturiana? Hoy era día de mercado en la Villa. Normalmente los miércoles había mucha actividad, los aldeanos bajaban sus productos… pero desde hace años está en decadencia y se reduce a una hilera de puestos. Los paisanos son una mezcla de jóvenes concienciados con rastas y formación, que “han vuelto al campo” (no se muy bien si como pasatiempo o modo de subsistencia) y una serie de mujeres mayores (principalmente) que ofrecen tomates, berenjenas, berzas, calabacines, cebollas, pequeñas manzanas, algunas patatas, legumbres y algún ramillete con flores.

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El cine entra en la Travesía, con la SAL DE TIERRA (Salt of the Earth) una película del año 1951 dirigida por Herbert J. Biberman que me recomendó Beatriz y que está basada en un hecho real ocurrido en la mina Zinc Empire Company, ubicada en Nuevo México. La peli (un antecedente fundamental de cine independiente, vetada en USA) muestra la discriminación ejercida por la empresa hacia los obreros de origen mexicano: recibían sueldos inferiores a los estadounidenses, no tenían agua caliente y las condiciones de seguridad dejaban al descubierto lo poco que valía para la compañía sus vidas. Esta situación provocó una larga y difícil huelga e hizo emerger que la desigualdad también se reproducía en el seno de las familias obreras. La igualdad no es un concepto etéreo, viene a transmitir la película, sino una lucha constante que hay que empezar y mantener, 2014 and go on. Esta película te hacer creer que tal vez, igual que ellos, al estar unidas, algo se puede cambiar y como dice Esperanza “La casa no es nuestra, pero las flores si”.

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Nos encontramos con mi madre en Matadero para ver BANG! de la compañía francesa Volpinex en el Festival FRINGE (hasta el próximo 27 de julio). El espectáculo tiene lugar en el Patio de la Cineteca, una sala chiquitita (para las escalas del Matadero) en la que asistimos al desarrollo de un western sui generis que reúne con humor el teatro de objetos y el cine, mediante un juego de cámaras de grabación, mini estudios de rodaje y efectos sonoros en directo. Los artífices de la narración son Fred Ladoué y Florian Brinker, nos hicieron pasar un buen rato con su película teatral de objetos diminutos. Leo el resto del programa de actividades del festival y hay muchas propuestas apetecibles: volveré.

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Carmen Dalmau y yo estamos dando forma a CONVIDADOS la que será la exposición inaugural del Centro de arte y holografía Dados Negros-Fundación Pepe Buitrago. Este proyecto audazmente quijotesco, es una iniciativa de Mercedes y Pepe Buitrago en el corazón de la Mancha, Villanueva de los Infantes para ser concretos. Después de 4 años las obras ya están finalizando y es realmente impresionante lo que pueden los cuerpos, lo que pueden los sueños. Así el día elegido para concluir la travesía y llegar a Atenas, el 4 de octubre, coincidirá con la inauguración de la Fundación. Será una jornada intensiva y ritual con muchas piezas concebidas específicamente para la ocasión en las que estarán presentes la celebración de los espacios, su iniciación, los banquetes, las huellas de la memoria arquitectónica. Los artífices son Isidoro Valcárcel, Fur Alle Falle, Los Torreznos, Belén Cueto, Pepe Murciego, María Sánchez, Mateo Maté, Greta Alfaro, El Enigma de la Fruta, Amaya Hernández, David Crespo, Arantxa Boyero, Fernando Baena y Jose Jurado. Así que este post funciona como una invitación para recorrer los últimos kilómetros del camino juntos, un save the date de cara a la inauguración para compartir con aliados y maestros este espacio constituido como rebelión que ya engendra placer.

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Mi interlocutora privilegiada es Beatriz, que con sus referencias, hace saltar por los aires, literalmente, cualquier nicho de seguridad al que me pueda aferrar. En este caso la recomendación-regalada ha sido Nanni Balestrini, un autor italiano y luchador que inventa un método en el que lo aleatorio se une a lo elegido para conformar bellas poesías. La repetición y combinación de los párrafos van dotando de sentido los escenarios propuestos en Blackout un libro editado por Acuarela Libros. Ya desde el prólogo, nuestra posición se altera necesariamente: “(…) una obra auténtica (libro, cuadro, música) sirve para hacerte ver algo distinto o, mejor dicho, para cambiar tu modo de ver, de percibir las cosas y el mundo, sirve para iluminar tu mirada sobre aspectos de la realidad que te son desconocidos, para sacudirte por un instante de tu estado habitual de robot sonámbulo. Para despertarte, aunque sea por pocos instantes, dándote el vértigo de algo desconocido, que infringe las normas y las reglas en las que vives encajonado y anestesiado. Albergo serias dudas de que llegues realmente a tener una mirada nueva, amable lector. Estas páginas, podrán, así lo espero, dejarte vislumbrar que, detrás de las palabras de los periódicos y de la televisión, detrás de la violencia de la información mediática que casi siempre nos cuenta una versión deformada y falsa de las cosas del mundo, se abren abismos que revelan realidades ocultas e inquietantes. No tienes más que revolver un poco las líneas, desplazar el punto de vista, rechazar lo déjà vu…  No obstante, si por un casual te viniera alguna vez en la vida un impulso repentino e irresistible de romperlo todo, ójala por una vez no te contengas, deja que salgan las toneladas de violencia no expresada que durante tantos años te has estado tragando y enviando a la trituradora dentro de ti. Déjala explotar en un gesto demencial, que de solo pensarlo ahora te pone los pelos de punta: agarra una buena piedra y, con mucho cuidado de que nadie te vea, tírala hacia arriba con todas tus fuerzas contra, a tu elección: a) el careto del cartel publicitario; b) el semáforo rojo; c) la luna llena; d) el gato encima del muro; e) el banco de la esquina…”